Frauke Havemann / On Air

AULAB: Cultivating Contradictions

Eric Schefter — Thu, 19 Feb 2026 18:49:52 +0000

March 7th 2026, at 19.30  

With: Sabine Zahn, Christina Ciupke, Simone Gisela Weber, Leon Locher, Sefa Okutan, Rose Beermann  

Six artists of different ages and with different stories have spent eight weeks at the AULA in Milchhof, researching, writing, dancing, and rehearsing. On this evening, Sabine Zahn, Christina Ciupke, Simone Gisela Weber, Leon Locher, Sefa Okutan, and Rose Beermann gather around a large table with the audience to talk about their work processes and engage in a conversation. Each of the artists gives one impulse, through which their respective research question is performed. The aim is not to find ’solutions‘ but to cultivate contradictions, ambiguities, and open questions – trusting that this is where things get interesting.  AULAB is a series of experimental event formats led by Rose Beermann, that foregrounds audience encounters. The thematic focus lies on intergenerational exchange. In the following two editions, she will each time invite two artists of different ages to exchange around generational differences, similarities, and current challenges for artistic work with each other and with the audience.

07. März 2026 um 19:30 Uhr

  Mit: Sabine Zahn, Christina Ciupke, Simone Gisela Weber, Leon Locher, Sefa Okutan, Rose Beermann 

Sechs Künstler*innen unterschiedlichen Alters und mit verschiedenen Geschichten haben acht Wochen in der AULA im Milchhof recherchiert, geschrieben, getanzt und geprobt. Sabine Zahn, Christina Ciupke, Simone Gisela Weber, Leon Locher, Sefa Okutan und Rose Beermann setzen sich an diesem Abend mit ihrem Publikum an einen großen Tisch, um von ihren Arbeitsprozessen zu berichten und miteinander ins Gespräch zu kommen. Jede*r der Künstler*innen gibt einen Impuls, in dem die jeweilige Forschungsfrage performt wird. Dabei werden keine ‚Lösungen‘ gesucht, sondern Widersprüche, Unschärfen und offene Fragen kultiviert – in der Überzeugung, dass es an diesen Orten interessant wird.   Das AULAB ist eine Reihe von experimentellen Veranstaltungsformaten unter der Leitung von Rose Beermann, bei der die Begegnung mit dem Publikum im Vordergrund steht. Thematischer Schwerpunkt ist der generationsübergreifende Austausch. In den folgenden zwei Ausgaben lädt sie jeweils zwei Künstler*innen unterschiedlicher Altersstufen ein, um sich mit ihnen und dem Publikum über Generationsunterschiede, Gemeinsamkeiten und aktuelle Herausforderungen für die künstlerische Arbeit auszutauschen.

Sabine Zahn

foto: Saskia Hebert

Sabine Zahn ist eine in Berlin lebende Choreografin, die sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit der gegenseitigen Beeinflussung von Körpern und ihrer Umgebung, vor allem dem urbanen Raum, beschäftigt. Insbesondere untersucht sie, wie choreografisch-somatische Strategien die Art und Weise erweitern, wie Urbanität und städtischer Raum gelebt, ausgedrückt und transformiert werden kann. Sabine ist Teil der Floating University Berlin, Areal (Artistic Research Lab Berlin) und dem Choreographischen Milieu. Sie unterrichtet in den Bereichen Urbanismus, Kulturwissenschaften, Tanz und Performance.
Ich habe im Herbst 2025 eine Serie von Forschungstreffen veranstaltet, als Teil meiner Forschung am RIFS, dem Forschungsinstitut für Nachhaltigkeit Potsdam. Dabei geht es um den Beitrag, den choreografisches und performatives Wissen zu den Debatten und tieferen Prozessen von Stadtentwicklung leisten können. Ich bin derzeit mit der Sortierung der Materialien beschäftigt und der Entwicklung eines geeigneten Dokumentationsformates.
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Sabine Zahn (Berlin) is an artist, researcher and educator, working with the fields of choreography, urban practice, aesthetics, the city as lived space and how they complement each other. Under the term of Doing/city she explores a radical somatic angle towards space as produced through action. She works in close cooperation with other artists and spatial practitioners. Sabine is part of Floating University Berlin, Areal (Artistic Research Lab Berlin) and The Choreographic Milieu and teaches in various academic and other settings.
In autumn 2025, I organised a series of research meetings as part of my research at RIFS, the Research Institute for Sustainability Potsdam. These meetings focused on the contribution that choreographic and performative knowledge can make to the debates and deeper processes of urban development. I am currently sorting through the materials and developing a suitable documentation format.

Leon Locher

foto: @Josua-Josua

Leon Locher ist ein schweizerisch-deutscher Performance Creator, Performer und Autor. Seine Arbeit konzentriert sich auf die Schnittstelle zwischen Text, Körper und Raum und untersucht verschiedene Formen der Verkörperung von Text auf der Bühne als Schauplatz ästhetischer und politischer Verhandlung. Leon hat den BA Sprachkunst an der Universität für angewandte Kunst Wien und den MA Solo/Dance/Authorship am HZT Berlin abgeschlossen. Arbeiten von und mit ihm wurden unter anderem in den Uferstudios Berlin, der KUB Galerie in Leipzig, dem P14 Volksbühne in Berlin und dem Angewandte Performance Lab in Wien präsentiert.
Derzeit beschäftige ich mich mit der Überschneidung von Poesie und Ethik: Wie kann ein Konzept poetischer Gerechtigkeit in einem nicht-narrativen Theaterverständnis aussehen? Und wie eine Praxis der poetischen Resilienz im Kontext von Militarisierung und Ertüchtigung der Gesellschaft? Um diese Fragen anhand meiner eigenen Arbeit zu entfalten, begebe ich mich während des AULAB auf die Suche nach konkreten Arbeitsmethoden, die Lyrik, Dokumentartheater und Bewegungsforschung in einen kritischen Dialog setzen.
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Leon Locher is a Swiss-German performance creator, performer and writer. His practice focuses on the intersection between text, body and space, looking at different forms of text embodiment on stage as sites of aesthetic and political negotiation. Leon holds a BA in Language Arts from the University of Applied Arts Vienna and completed the MA Solo/Dance/Authorship at HZT Berlin. Works by and with Leon were presented among others at Uferstudios Berlin, KUB Gallery in Leipzig, P14 Volksbühne in Berlin and the Angewandte Performance Lab in Vienna.
I’m currently busy with questions around the overlap of poetry and ethics: How can a concept of poetic justice look like in a non-narrative understanding of theatre? And how a practice of poetic resilience, in the context of militarization and toughening up of society? To unfold these questions within and through the span of my own work, during AULAB I aim to articulate concrete working methods that put poetry writing, documentary theatre and movement research in a critical dialogue with each other.

Simone Gisela Weber

foto: Alejandro Salas Strus

Simone Gisela Weber ist Choreografin, bildende Künstlerin und Performerin. Im Jahr 2025 war sie Artist in Residence an der Jan van Eyck Academie in Maastricht. Ihre Praxis entfaltet sich in dem, was sie als ‚Choreografie der Texturen‘ bezeichnet. Sie schafft Skulpturen und installative Umgebungen, die auf unterschiedliche Weise aktiviert werden können. Masken, die mit Humor und Groteskem in Verbindung stehen, werden in Verbindung mit einer skulpturalen Praxis eingesetzt, um Durchlässigkeit von Körpern und Identitäten zu untersuchen.
Family Affair (AT) ist ein Versuch, einen Prozess der Zusammengehörigkeit und Intimität einzufangen. Zwei Schwestern und ein Sohn, beziehungsweise Neffe, übernehmen gemeinsam die Aufgabe, dieses Experiment in einem Rollenspiel zu inszenieren. In diesem Spiel geht es um Schwesterlichkeit, Fürsorge und nonverbale Kommunikation. Es ist ein Versuch, den kreativen Prozess als Spiel und das Spiel als kreativen Prozess zu verstehen.
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Simone Gisela Weber is a choreographer, visual artist and performer. In 2025, she was artist in residence at the Jan van Eyck Academie in Maastricht in 2025. Her practice unfolds in what she refers to as ‚choreography of textures‘. She creates sculptures and installation environments that can be activated in different ways. Masks associated with humor and the grotesque are used in conjunction with sculptural practice to explore the permeability of bodies and identities.
Family Affair (AT) is an attempt to capture a process of togetherness and intimacy. Two sisters and a son, or nephew, take on the task of staging this experiment in a role-playing game. This game is about sisterhood, caring, and nonverbal communication. It is an attempt to understand the creative process as play and play as a creative process.

Christina Ciupke

foto: @SzeneSalzburg_BernhardMueller

Christina Ciupke lebt und arbeitet als Choreografin und Tänzerin in Berlin. Sie entwickelt ihre Projekte gemeinsam mit Künstler*innen aus den Bereichen Tanz und anderen Künsten. In diesem Rahmen entstehen spezifische Räume und Situationen, in denen Nähe und Distanz, Intimität, Zeitwahrnehmung und das Miteinander von Zuschauer*innen und Darsteller*innen immer wieder neu verhandelt werden. Sie arbeitet eng mit den Choreograf*innen und Tänzer*innen Nik Haffner, Mart Kangro, Jasna L. Vinovrški, Ayşe Orhon, dem Komponisten Boris Hauf, dem Dramaturgen Igor Dobričić , dem bildenden Künstler Darko Dragičević zusammen. 2013 erhielt Christina einen MA in Choreografie (AMCh) von der Amsterdam School of the Arts. Mehr Informationen unter www.christinaciupke.com oder @christinaciupke auf Instagram.
Meine aktuelle Recherche ist der Versuch, Vergangenheit Gegenwart und Zukunftsvisionen zu verweben. In einem Prozess, in dem ich (Bewegungs-)Artefakte aus meiner rund zweieinhalb Jahrzehnte umfassender choreographischer Arbeit ausgrabe, versuche ich, das, was in der Vergangenheit getan wurde, und was gefehlt hat, wiederzuentdecken, zu verstehen und zu katalogisieren. Was bleibt? Und was könnte in die Zukunft mitgenommen werden? Birgt das, was bleibt, kreatives Potenzial für die Zukunft? Kann die Vergangenheit die Zukunft schützen, indem sie ihr Potenzial hegt und anreichert, bis es bereit ist, sich zu entfalten?
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Christina Ciupke lives and works as a choreographer and dancer in Berlin. She develops her projects with artists from the fields of dance and other arts. Within this framework, specific spaces and situations are created in which closeness and distance, intimacy, perception of time and the togetherness of spectators and performers are constantly renegotiated. She works in close collaboration with the choreographers and dancers Nik Haffner, Mart Kangro, Jasna L. Vinovrški and Ayşe Orhon, the composer Boris Hauf, the dramaturge Igor Dobričić and the visual artist Darko Dragičević. In 2013, Christina received a Master of Arts in Choreography (AMCh) from the Amsterdam School of the Arts. For more information, visit www.christinaciupke.com or @christinaciupke on Instagram.
My current research is an attempt to interweave the past with the present and with future imaginations. Through a process of excavating movement artefacts from my body of work, spanning approximately two and a half decades, I am seeking to re-discover, understand, and catalogue what has been done in the past, and what has been missing. What remains? And what might be carried into the future? Do these remains hold creative potential for what is yet to come? Can the past protect the future by incubating and enriching its potential until it is ready to unfold?

Sefa Okutan

Sefa Okutan ist eine in Berlin lebende Tanz- und Performance-Künstlerin, die an der Schnittstelle von verkörpertem Protest und queeren Mythen arbeitet. Ihre Arbeit untersucht Freude und Wut als transformative Kräfte durch Folklore, Drag und Communityerfahrung. Ihre jüngste Arbeit ‚Gasoline Queen‘ sowie ihre Kollaboration mit İrem Aydın, ‚Planet Lubunya‘, wurden im Ballhaus Ost aufgeführt, ihre Kollaboration mit Kareth Schaffer, ‚Bird Dances‘, in den Sophiensaelen. Sefa engagiert sich auch in der Community-Arbeit für Critical Queer Solidarity. Sie möchte Räume schaffen, in denen das Annehmen des Seltsamen die gemeinsame Grundlage für Verbindungen schafft. Mehr Informationen unter https://sefaokutan.de/
Sefa kreiert Performances, in denen kritische Fragen durch kreative Impulse an das Publikum gestellt werden. Im Moment beschäftigt sie sich mit einer folkloristischen Figur aus dem Balkan und dem Nordosten der Türkei: ‚Karakoncolos‘, die für ihre subversive Natur bekannt ist.

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Sefa Okutan is a Berlin-based dance and performance maker working at the intersection of embodied protest and queer myths. Their work explores joy and rage as transformative forces through folklore, drag and community experience. Her most recent work, ‚Gasoline Queen‘ as well as her collaboration with İrem Aydın, ‚Planet Lubunya‘, were performed at Ballhaus Ost, while her collaboration with Kareth Schaffer, ‚Bird Dances‘, was staged at Sophiensaele. Sefa is also involved in community work for Critical Queer Solidarity. She aims to create spaces where embracing the weird becomes the common ground for connections. For more information, visit https://sefaokutan.de/.
Sefa creates performances in which critical questions are posed to the audience through creative impulses. She is currently working on a folkloric figure from the Balkans and northeastern Turkey: ‚Karakoncolos‘, known for her subversive nature. Sefa wants to thank Ian Puis for the constant exchange on themes like social norms of the vertical body, how traditions organize spaces and many more.

Rose Beermann

Rose Beermann ist Künstlerin und Kulturwissenschaftlerin. Sie arbeitet als Choreografin, Regisseurin, Performerin und Dramaturgin in den Freien Darstellenden Künsten. Sie realisiert eigenen Arbeiten im Bereich des experimentellen Tanzes, welche an unterschiedlichen deutschsprachigen Theatern und auf internationalen Festivals gezeigt wurden. Ihr Interesse an akademischer Forschung und Lehre führte sie zunächst an das Institut für Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen, dann u.a. an das HZT Berlin. Seit Oktober 2022 ist sie Doktorandin im Graduiertenkolleg ‚Dokumentarische Praktiken. Exzess und Entzug‘ an der Ruhr-Universität Bochum, wo sie Trägheit als widerständige Kraft erforscht. Mehr Informationen unter https://rosebeermann.de/.
In meiner Arbeit erforsche ich Entstehungsprozesse kollektiver Körperbilder, dafür untersuche ich performative Paradigmen und choreographische Strukturen, denen ich in meinem Alltag begegne. Im Moment interessiere ich mich für die Ambivalenz von Vulnerabilität: Der Begriff der Verwundbarkeit oder Verletzlichkeit war für mich lange Zeit positiv besetzt, er stand für Offenheit, Durchlässigkeit und die Fähigkeit, sich von anderen berühren zu lassen. Seit in meinem Alltag mehr und mehr Bilder von verletzten oder gar toten Körpern auftauchen, befrage ich dieses Verständnis von Vulnerabilität: Wer kann es sich leisten, vulnerabel zu sein? Und wie unterscheiden sich ein offener, durchlässiger von einem verwundeten Körper?

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Rose Beermann is an artist and researcher. She works as a choreographer, director, performer, and dramaturge in the field of independent performing arts. She creates her own works in the field of experimental dance, which have been shown at various theaters in German-speaking countries and at international festivals. Her interest in academic research and teaching first took her to the Institute for Applied Theater Studies in Giessen, then to HZT Berlin, among others. Since October 2022, she has been a doctoral student in the research training group ‚Documentary Practices: Excess and Withdrawal‘ at the Ruhr University Bochum, where she is researching inertia as a force of resistance.
In my work, I explore how collective body images emerge, examining performative paradigms and choreographic structures that I encounter in my everyday life. At the moment, I am interested in the ambivalence of vulnerability: for a long time, I associated the concept of vulnerability with positive connotations, seeing it as a sign of openness, permeability, and the ability to be touched by others. Since images of injured or even dead bodies have been appearing more and more in my everyday life, I have been questioning this understanding of vulnerability: Who can afford to be vulnerable? And how does an open, permeable body differ from a wounded body?

Die AULA wird im Jahr 2026 gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt in Berlin.

Unter dem Pflaster 2025

Eric Schefter — Fri, 20 Jun 2025 12:27:35 +0000

Unter dem Pflaster – 2025

Im nunmehr fünften Jahr laden Frauke Havemann und Peter Stamer in diesem Sommer Kunstschaffende unterschiedlicher Disziplinen und Generationen ein, um für die besondere Architektur des Pavillon am Milchhof neue künstlerische Arbeiten zu entwickeln. Die Berliner Künstler*innen zeigen vom 12. Juli bis 9. August 2025 fünf (Neu-)Produktionen und Uraufführungen, die das Motto der Reihe “Unter dem Pflaster” als Ausgangspunkt ihrer multidisziplinären Arbeiten nehmen.

Samstag, 12. Juli 2025, 20.30 Uhr
Peter Stamer & Yosi Wanunu
Ghost Riders

Zwei Söhne, der eine Deutscher, der andere Ex-Israeli und jetzt Österreicher, beschwören in ihrer performativen Séance die Geister ihrer verblichenen Väter. Ein Familienalbum aus unvollendetem Vatermord, unausgesprochener Liebe und dem Unglück vertaner Chancen, aufgeblättert von zwei Theatermachern, die das Vergangene nicht ruhen lassen wollen. Berlinversion in englischer Sprache.
Entwickelt und aufgeführt von Yosi Wanunu und Peter Stamer // Musik von Peter Stamer // Produziert von Kornelia Kilga/toxic dreams

Two sons – one German, the other a former Israeli now turned Austrian -summon the spirits of their deceased fathers in this performative séance. A family album of unfinished patricide, unspoken love, and the misfortune of lost opportunities, flipped open by two theater makers who refuse to let the past rest. Berlin version in English.
Devoloped and performed by Yosi Wanunu and Peter Stamer // Music by Peter Stamer // Produced by Kornelia Kilga

Samstag, 19. Juli 2025, 20.30 Uhr
Thomas Martius u.a.
Der verlorene Vater

Die dokumentarische Fiktion erzählt mit grell-bunten 8mm- Amateurfilmaufnahmen eine Familiengeschichte, die sich über die USA und Deutschland bis nach Ex-Jugoslawien ausbreitet. Das grobkörnige Filmmaterial wurde in den 1960er und 70er Jahren nur sparsam eingesetzt – ohne Autofokus und Mikrofon, in einer Ära vor Home-Video und Internet.
Bei dem verzweifeltem Versuch von Thomas Martius, einen Theaterabend von 2019 als Film im Pavillion zu installieren, stehen ihm eigens gebaute Avatare zur Seite. Die Kinotherapeutin Frau Kattel (Petra Steuber) behält die Ruhe und hilft der Hauptfigur Selma (Tania Feurich), ihren Vater zu suchen – und vielleicht sich selbst zu finden.
Weitere Informationen (Stab, Inhalt, Videos) auf der Website: www.derverlorenevater.de  https://www.instagram.com/derverlorenevater

Incorporating vivid, amateur 8mm film footage, the documentary fiction traces a family story that spans from the USA and Germany to the former Yugoslavia. The grainy Super 8 material was filmed sparingly in the 1960s and 70s—without autofocus and microphones, in an era before home video and the internet.
In Thomas Martius’s desperate attempt to transform a 2019 theater performance into a film installation in the pavilion, he is assisted by custom-built avatars. The cinema therapist, Frau Kattel (Petra Steuber), keeps her cool and helps the main character, Selma (Tania Feurich), to search for her father—and perhaps to find herself.
Further information (staff, content, videos) on the website:  www.derverlorenevater.de  https://www.instagram.com/derverlorenevater

Samstag, 26. Juli 2025, 20.30 Uhr
Frauke Havemann & Eric Schefter
Atmospheric Conditions

„Das generelle Mißtrauen gegenüber der Sicherheit des Internets hat sich weiter ausgebreitet. Menschen suchen nach alten Geräten. Vor allem Radios. Allerdings ist der Sprung zurück ins analoge Zeitalter für viele sehr herausfordernd….“ Mit der Video-Installation Atmospheric Conditions geben Frauke Havemann und Eric Schefter einen ersten Einblick in ihr neues filmisches Projekt, welches in einer Welt ohne funktionierendes Internet spielt. (In englischer und deutscher Sprache.)

“The general mistrust of internet security has continued to spread. People are looking for old devices—especially radios. However, the leap back into the analog age is very challenging for many…” With the video installation Atmospheric Conditions, Frauke Havemann and Eric Schefter offer a first glimpse into their new film project, which is set in a world without a functioning internet.

Featuring: Jack Rath & Morris Morawiec
Additional Performers: Iris Boss, Charles McDaniel, Inga Dietrich, Marie-Agnès Gassama, Sabine Hertling, Effi Rabsilber, Sasha Schlegel, Poul Storm, Ariel Wessendorf
Radio Voices: Priscilla Bergey, Erik Hansen, Neal Wach
Camera: Eric Schefter, Joji Koyama, Marcel Neumann
Text: Mark Johnson, Frauke Havemann, Matthias Wittekindt

Samstag, 2. August 2025, 20.30 Uhr
Simone Gisela Weber
Everyone’s joy, No one’s sorrow

Die Stadt verwandelt sich in einen temporären, kilometerlangen und kollektiven Körper. Menschen verbinden sich mit Ihrer Umwelt: Sie verwandeln sich in Tiere, Wesen und Objekte. Jetzt heißt es wieder: Mitmachen oder die Stadt verlassen! Karneval – ein ausgelassenes Fest der Gemeinschaft? Ein riesiges Trinkgelage? Ein Spiegel der Gesellschaft oder alles wie jedes Jahr?
In der Installation EVERYONE’S JOY, NO ONE’S SORROW wird der Pavillon zu einem Ort des Danachs. Hier ist Karneval nicht bloß ein Fest. Er wird zum Riss in der urbanen Oberfläche, aus dem andere Wesen hervortreten: Tiere, Geister, Maschinen, Masken. Ein Ort, an dem der Mensch durchlässig wird. Körper werden zu Masken. Masken werden zu Kreaturen. Hier wird der Karneval zu einer Probe für die Zukunft, für alles, was noch möglich sein könnte.

Die Installation EVERYONE’S JOY, NO ONE’S SORROW basiert auf der gleichnamigen Partizipativen Performance.

KONZEPT, CHOREOGRAFIE, RECHERCHE: Simone Gisela Weber // PERFORMERINNEN (im Video): Simone Gisela Weber, Juli Frodermann // RECHERCHE: Sophia Maria Keßen // SOUND: Juli Frodermann // KOSTÜM UND MASKEN: Simone Gisela Weber in Kollaboration mit Giulia Cauti // Die Recherche wurde durch das Recherchestipendium des Fonds Darstellende Künste gefördert.

Eine Bühnenversion dieser Arbeit feierte am 11. Juni 2025 im Freien Werkstatt Theater Köln Premiere. Die Umsetzung wurde durch die Unterstützung der Jan van Eyck Academie ermöglicht.

The city transforms into a temporary, kilometer-long, collective body. People connect with their environment: they transform into animals, beings, and objects. Now it’s time again: Join in or leave the city! Carnival – a joyous celebration of community? A massive drinking spree? A mirror of society, or just like every year?
In the installation EVERYONE’S JOY, NO ONE’S SORROW, the pavilion becomes a place of what comes after. Here, Carnival is not just a celebration. It becomes a crack in the urban surface, from which other beings emerge: animals, spirits, machines, masks. A place where humans become permeable. Bodies turn into masks. Masks turn into creatures. Here, Carnival becomes a trial for the future, for everything that could still be possible.
The installation EVERYONE’S JOY, NO ONE’S SORROW is based on the participatory performance of the same name.

A stage version of this work premiered on June 11, 2025 at the Freie Workshop Theater in Cologne. The implementation was made possible with the support of the Jan van Eyck Academy.

Samstag, 9. August 2025, 20.30 Uhr
Aleksandra Petrushevska
Hard Beat (Solo Iteration)

Hard Beat (Solo Iteration) is a choreographic work by Aleksandra Petrushevska that reimagines Teshkoto, a traditional Macedonian male folk dance often regarded as intangible cultural heritage. The aim is not to preserve it, but to question it, disrupt it, draw inspiration from it, stretch its frame, weave in other dance and music styles, and transform its meanings from a female perspective.
Hard Beat (Solo Iteration) refers both to a hard-hitting drumbeat and a pounding heartbeat. While this body–drum relationship might suggest rapid movements and beats, the piece instead explores a more nuanced and unpredictable rhythmicality. It invites the audience to witness a dance that is precise and controlled in execution, yet soft and grounded in presence. Out of slow, hypnotic, weighted shifts and footwork, a gradual acceleration builds, distorting both rhythm and form until neither can be sustained or clearly recognized.
Hard Beat (Solo Iteration) rewinds time, looping back to re-inscribe the dance itself. It builds structure, breaks it apart, and begins again—to make another dance.

Unter dem Pflaster 2025 // Schwedter Straße 232 // 10435 Berlin // milchhofpavillon.de // instagram: unterdempflaster
Die Veranstaltung finden im Freien statt. Freier Eintritt.
Mit besonderem Dank an FLINN WORKS für die Überlassung der Kopfhörer!

Offene Ateliers 2025

Eric Schefter — Fri, 20 Jun 2025 11:04:00 +0000

Julek Kreutzer
NOISE. Ein Solo mit Gästen.
Choreografie und Performance: Julek Kreutzer // Aufführung: 2. Mai 2025 AULA
Im Prozess zwischen Stimme und Bewegung, versuchte die Tänzerin und Choreografin, aus dem Körper heraus Chaos zu schaffen. Dabei ließ sie sich zu unbestimmter Zeit von Gästen überraschen.
instagram: Julek Kreutzer (@kkeluj)

Peter Stamer
Alles muss raus
Ein musikalisches Herrengedeck// Text, Musik & Regie: Peter Stamer // Präsentation: 2. Mai 2025 AULA im Milchhof Berlin
Alles muss raus. Jeder Ton, jedes Sentiment, jeder Gedanke. Platz schaffen im Schlussverkauf der Wahrheiten und Gefühle.
peterstamer.com

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Aula Mixer

Eric Schefter — Sat, 01 Jun 2024 15:40:10 +0000

Samstag, 1. Juni 2024, 14 – 18 Uhr und Sonntag, 2. Juni 2024, 15 -17 Uhr

Sie bringen gerne alles durcheinander: Frauke Havemann, Thomas Martius, Peter Stamer und Gäste werfen kleine und große Stücke ihrer Arbeiten in den neuen AULA Kunstmixer und servieren eine cremige Mischung aus flimmernden Filmen, tasty Texten, gehaltvollen Gesprächen.

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Unter dem Pflaster 2023

Eric Schefter — Sun, 11 Jun 2023 15:32:50 +0000

Unter dem Pflaster – 2023
Eine Kunstreihe mit neuen Arbeiten von vier Berliner Künstler*innen vom 12. August bis 2. September 2023

Kuratiert von Frauke Havemann und Peter Stamer

Im nunmehr vierten Jahr luden Frauke Havemann und Peter Stamer Kunstschaffende unterschiedlicher Disziplinen ein, um für die besondere Architektur des Pavillon am Milchhof neue künstlerische Arbeiten zu entwickeln.

Den Auftakt am Samstag, dem 12. August machten Thomas Martius, Petra Steuber und Johnny Zabala mit ihren Easy Pieces. Theater- und Filmemacher Thomas Martius kommentierte Nachrichten auf dem Anrufbeantworter und zeigte einige seiner „Daily Works“. Die kreativen Fingerübungen, oft ausgelöst durch eine persönliche Begegnung, sind eine Art Nährboden für Martius’ große Formate der dokumentarischen Fiktionen und des filmischen Theaters. Autorin Petra Steuber las kurze Texte, die inspiriert sind von den Titeln zufällig auf der Straße und in Hauseingängen gefundener Bücher. Ihr Projekt “Bisher erschienen“ wächst seit 15 Jahren weiter. Der Gitarrist Johnny Zabala präsentierte seine „einzigartig unorthodoxe, nostalgiefreie Mischung aus sich auflösenden Blues- und Countrystrukturen, durchsetzt von beschwörend gebrummelten Textzeilen und abrupten psychedelischen Einlagen.“

Die Aufführung musste wegen Regens kurzerhand in die Aula verlegt werden.

Am darauffolgenden Samstag, dem 19. August zeigte die Regisseurin und Filmemacherin Frauke Havemann ihren 2022 produzierten Spielfilm Gleich zurück (Be Right Back). Der auf zahlreichen internationalen Festivals ausgezeichnete und präsentierte Film erzählt die Geschichte einer kleinen Gruppe von Menschen, die isoliert in einer verlassenen Ferienanlage im Wald lebt. Deren skurriler Alltag gerät durcheinander, als eine rätselhafte Unbekannte auftaucht… Mit Gleich zurück beleuchtet Frauke Havemann auf humorvolle Weise die Schattenseiten der menschlichen Natur im Halbdunkel des Waldes.

Am Samstag, 26. August 2023 stellten sich der Theatermacher und Autor Peter Stamer und die bildende Künstlerin und Performerin Ilya Noé in ihrer performativen Installation The Path of Money Albanien & Mexiko folgende Fragen: Durch welche Hände gehen Banknoten auf ihrem Weg durch Albanien und Mexiko? Wie zirkulieren dort Geldscheine und was ist ihr eigentliches soziales Gewicht? Für ihr Projekt The Path of Money, das sie zum ersten Mal in Deutschland zeigten, sind Stamer und Noé im vergangenen Jahr einem 20 Peso- bzw. 200 Lek-Schein auf seinem Weg durch Albanien bzw. Mexiko gefolgt, um die Menschen kennenzulernen, die dieser kreuzte…

Die Kunstreihe brachte der Bildende Künstler und Komponist Jan-Peter E.R. Sonntag und der Theaterwissenschaftler Detlev Schneider am 2. September 2023 zum Abschluss. Mit ihrer Raum-, Klang- und Tonkomposition LIDO 2023 warfen die beiden einen synästhetischen Blick auf eine Fotografie, die Sonntag im Juni 2007 in Venedig aufgenommen hatte. Mit Texten von Georges Perec, Richard und Cosima Wagner, einem liegenden sonD-Kontrabass, sieben MAISsCape-Freischwingern und dem berühmten Tristan-Akkord.

Das MAISsCape-Projekt von N-solab/Jan-Peter E.R. Sonntag wird gefördert vom Hauptstadtkulturfonds

Unter dem Pflaster

Eine vierteilige Kunstreihe mit Arbeiten von Berliner Künstler*innen

12. August – 2. September 2023

Aula im Milchhof
Pavillon am Milchhof
Schwedter Straße 232
10435 Berlin

instagram: @unterdempflaster

Unter dem Pflaster – reloaded 2022

Eric Schefter — Mon, 10 Oct 2022 17:54:25 +0000

Unter dem Pflaster – reloaded
Eine viertägige interdisziplinäre Reihe mit Arbeiten von Berliner Künstler*innen
20. – 23. Oktober 2022

Der Eintritt ist frei. Barbetrieb vor und nach den Vorstellungen.

AULA im Milchhof
Schwedter Straße 232
10435 Berlin

Nach dem Festival ist vor dem Festival: nach einem wunderbaren Sommer im Milchhofpavillon freuen wir uns, zur Wiederaufnahme unserer multidisziplinären Kunstreihe Unter dem Pflaster – reloaded vom 20. bis 23. Oktober 2022 in die AULA im Milchhof einzuladen. An diesen vier Tagen zeigen die beteiligten Künstler*innen nun Überarbeitungen und Neufassungen ihrer im Sommer vorgestellten Stücke.

Künstlerische Leitung: Peter Stamer und Frauke Havemann
Produktionsleitung: Sasha Schlegel
Technische Leitung: Ivan Bartsch und Eric Schefter
instagram: @unterdempflaster

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ – STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz.

T A G E S P R O G R A M M

Donnerstag, 20. Oktober
19.30 Uhr

Luke und Alina und alle 21 Jahre
(Visionen in der Aula)
Von und mit u.a. Florian Brossmann, Silke Lange, Thomas Martius, Petra Steuber

2021 haben wir eine große Geschichte live im Kino gezeigt: „1884 wird ein Wal geboren und der Grundstein gelegt für das Berliner Reichstagsgebäude. Die Welt verändert sich rasant. IT-Nerd Angelica aus den USA und Tierschützer Viktor aus Russland begegnen sich 1988 in der DDR. Immer wieder treffen sie aufeinander, bis hinein in ihre Unterwasserstadt im Jahre 2055. Lebt da der Wal noch?“ Was bleibt uns 2022 davon übrig, wenn Schauspieler*innen fehlen und der kalte Krieg wieder heiß wird? Wir erzählen unsere Story nochmal, mit buntem Video und verändertem Klangfeld – und neuen Erinnerungen.

Konzept, Text, Video, Sounds, Performance: Thomas Martius / Text, Performance: Petra Steuber / Live-Musik: Silke Lange / Musik: So Fukushima / Technische Leitung, 3D-Modelle: Florian Brossmann / Auf Video und als Stimmen: Tania Feurich, Manuel Sánchez Fraguas, Sascia Haj, Jannika Hinz, René Ritterbusch, Ariane Sept, Morin Smolé

Dauer: 90 Min.

www.lukeundalina.de

Freitag, 21. Oktober
19.30 Uhr

The Woman Who Swallowed Her House
Ein Film von Frauke Havemann

In „The Woman Who Swallowed Her House“ geht es um den radikal subjektiven Umgang einer Biologin mit ihrer Krebsdiagnose. Inspiriert durch die Texte der Biologin Catherine Adamidi nimmt dieser Film die Zuschauenden mit auf eine ungewöhnliche Reise. In ihrem Projekt beschäftigt sich Frauke Havemann mit der Poetik der Wissenschaft und den filmischen (Un)Möglichkeiten, Prozesse im Inneren des Körpers abzubilden.

Darsteller*innen: Iris Boss, Jack Rath, Annette Klar, Michael Blau, Martin Lehmann, Edda-Marie Pieper, Aabshaar Wakhloo, Doreen Wellnitz / Voice-Over: Neal Wach
Konzept & Regie: Frauke Havemann / Kamera & Schnitt: Eric Schefter / Text: Catherine Adamidi basierend auf ihrem Text „The Waddington Effect“ / Musik: Boris Hauf / Konzeptionelle Zusammenarbeit: Rose Beermann / Character Animation: A.C. Whelan / Consulting & Scientific Support: Catherine Adamidi / Produziert von: Gesine Enwaldt, Frauke Havemann, Eric Schefter / Produktion: Frauke Havemann/ON AIR, Film & Consorten Produktionsgesellschaft
Post-Produktion support: vis:a:vis Filmproduktion GmbH

Das Drehbuch entstand durch ein Stipendium des Künstlerinnenprogramms der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
In englischer Sprache

Dauer: 32 Min.

www.fraukehavemann-onair.de

Im Anschluss an den Film findet ein Gespräch statt mit Susanne Michl, Professur für Medizinethik und Medical Humanities an der Charité, der Filmemacherin Frauke Havemann und der Dramaturgin Rose Beermann (Moderation).

Dauer: 30 Min.

Freitag, 21. Oktober
20.30 Uhr

REWIND
Filme und Videos von Frauke Havemann, Chris Kondek, Thomas Martius, Ilya Noé, Eric Schefter, Peter Stamer und Penelope Wehrli aus den Jahren 1984 – 2004.

Ein kleines Festival im Festival: mit Film- und Videoarbeiten aus zwei Jahrzehnten öffnen die Künstler*innen der Reihe ihre Archive und geben Einblicke in ihr Schaffen aus den Zeiten von VHS, Super-8, U-Matic oder MiniDV.

Frauke Havemann: Tripping on the Tongue, 1996
Dauer: 12:55 min

„In ‚Tripping on the Tongue‘ sehen die Tänzerinnen aus, als seien sie Hans Bellmers Raritätenkabinett entsprungen“, schrieb man damals in der Berliner Zeitung. Inspiriert durch alte Ghost Stories und dem Film ‚Bride of Frankenstein‘ entstand 1996 dieses 13-minütige Tanzvideo.

Darsteller*innen: Willy Daum, Francesca Patrone, Thomas Lehmen, Frauke Havemann /
Musik: Willy Daum / Kamera: Mark Johnson / Schnitt: Frauke Havemann

Chris Kondek: Money from Outer Space, 2010
Dauer: 3:30 min

Could it be that money is an alien life form from outer space? A life form that is using us poor humans to help IT reproduce? This was question asked in doublelucky productions 2010 lecture/performance “Money: It Came From Outer Space”. This video made for the performance shows cleary enough that everything is not as it seems.

Darsteller*innen: Chris Kondek (Crashing into car), Marc Stefan (Face Covered with Jelly), Christiane Kühl (Belly with prosciutto skin) / Video: doublelucky productions / Kamera & Schnitt: Chris Kondek / Musik: Hannes Strobl 

Chris Kondek: Stau
Dauer: 2:10 min

Thomas Martius: Aula (1988-1999)
Dauer: Viertelstunde

Thomas Martius’ Avatar präsentiert einen Zusammenschnitt aus alten Arbeiten.

Ilya Noé: Eve, 2004Dauer: 3:50
Bits of old super 8 family films shot by my father, stitched together with pieces from the transposed relationship with my mother. All rites reversed.
Darsteller*innen: Ilya Noé, Eva Noé u.a. / Konzept & Schnitt: Ilya Noé

Eric Schefter: Homecoming 92, 1992

Dauer: 5:45 min
Eine Dokumentation eines Besuchs in der Church of the Lord Jesus in Jolo, West Virginia, aufgenommen 1992 und geschnitten 2003.

Video & Schnitt: Eric Schefter / Besonderer Dank an und für Tony Feyer

  The Luminists / Eric Schefter & Charles Cohen: Captive in the White House, 1991
Dauer: 3:05 min
Das Ausgangsmaterial (Ton und Video) für „Captive In The White House“ wurde im Laufe eines Tages während der OPERATION DESERT SHIELD (1991) improvisiert. Der Film ist eine Echtzeit-Reaktion auf die Beschäftigung der amerikanischen Fernsehmedien mit Krieg, Sport und dem „Kult“ um den Präsidenten.

Video: Eric Schefter / Ton: Charles Cohen 

Peter Stamer: Untitled, 1998
Dauer: 6:30 min, VHS

Stumme Körper, beredte Blicke: eine Doppelprojektion ohne Ton, die als Backdrop für das Disco-Tanzstück „Cool Ecstasy2 1998 am Nationaltheater Mannheim entstanden ist.

Darsteller*innen: Christel Bize, Eric Trottier / Kamera & Schnitt: Peter Stamer

Penelope Wehrli: Invasion of the Amazons (Continued Erosion), 1984
Dauer: 15 min, Super-8

The archer bends her bow.

The weapon transforms into a letter.

The letter stays imprinted on her body.

A film about balance and the struggle for control over language and body.

Darsteller*innen: Laurie Perricci, Bruna Esposito, Judith Scherer / Musik: Anne Palevsky / Regie, Kamera und Schnitt: Penelope Wehrli

Dauer: ca. 60 Min

Samstag, 22. Oktober
19.30 Uhr

Gefahr im Anzug
Ein Hörstück von Peter Stamer

Die Beschleunigung nimmt durch die Schwerkraft zunächst zu, bevor sie gegen Null abfällt. Daten über den anliegenden Auftrieb oder die Windverhältnisse fehlen jedoch, so dass wir seine Geschwindigkeit nicht zuverlässig vorhersagen können. Das einzig Verlässliche, das wir über den Mann wissen, ist, dass er vor einer Sekunde aus seinem Fenster gefallen ist.
In seinem neuen Hörstück versetzt sich Peter Stamer in den Kopf eines Mannes, der sich in jeder Hinsicht im freien Fall befindet …
Nach der Uraufführung im Sommer bei Unter dem Pflaster gelangt nun die überarbeitete Studioproduktion des Hörstücks zur Ursendung.

Text und Regie: Peter Stamer / Sprecherin: Astrid Endruweit / Tonschnitt und Mischung: Andreas Hamza / Musik: Peter Stamer, Andreas Hamza

Dauer: ca. 45 Minuten

www.peterstamer.com

Samstag, 22. Oktober
ab 20.30 Uhr

Du kannst nicht reingucken / Du kannst nicht rausgucken II
Eine Mixed-Reality-Installation von doublelucky productions

Du bist zurückgekommen. Alles ist da, direkt vor dir, in diesem Gebäude, aber es entzieht sich. Hinter dir eine unfertige Landschaft, in der es Nacht wird: ein virtuelles Dickicht mannigfaltiger realer und erträumter Objekte, digitaler Wesen, Stimmen und Doppelgänger, die dich fassen und umgarnen. Vielleicht wirst du hier leben wollen.
Nach einer ersten Fassung für den Pavillon im Hof stattet doublelucky productions das Publikum nun im Korridor des Milchhofs mit Tabletts und Kopfhörern aus und lässt es eine hybride Umgebung entdecken, die kein Innen und Außen mehr kennt, in der alle Dinge Geheimnisse tragen.

Von Phillip Hohenwarter, Chris Kondek, Christiane Kühl, Mareike Trillhaas.

Dauer: das Publikum kann selbst über die Verweildauer entscheiden

www.doubleluckyproductions.org

Die folgende Vorstellung entfällt leider!

Sonntag, 23. Oktober
16 Uhr
RE-LOCOMOTING v0.1
Eine Performance-Lecture von Ilya Noé

A walking artist completely loses her walking mojo. She asks Uncle Google, Auntie Wiki and Cousin Siri how to get it back. They reply by showing her video after video of members of their family teaching themselves to walk, all of which remind her that she had already posed a similar question to a Wixarika couple after sustaining a fall while hiking in northern Mexico 25 years ago…

In this performance-lecture said artist will have a first go at trying to regain (and retrain) her legs (along with some sense of levity) by way of experimenting with a few “locomotion optimisation” techniques devised by agents both naturally and unnaturally intelligent. Perhaps this is how she can finally shake and shimmy off the self-consciousness, apprehension and internalised ableism she’s been carrying since her teens as an elite gymnast, and takes that one first (silly) step to Wirikuta.

Eine Performance-Lecture von Ilya Noé in Zusammenarbeit mit Onomé Ekeh, Rosa Ramires, Pamela Slass, Oliver Staadt, Casimiro Torres

Dauer: ca. 60 Min.
In englischer Sprache
www.ilyanoe.com

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Unter dem Pflaster 2022

Eric Schefter — Sun, 09 Oct 2022 11:35:15 +0000

A series of events with (new) productions by Berlin artists on seven evenings.

Curated by Frauke Havemann and Peter Stamer
between July 16 and August 13, 2022

This summer, Frauke Havemann and Peter Stamer are once again inviting artists from different disciplines and generations to develop new artistic works for the special architecture of the Pavillon am Milchhof. From July 16 to August 13, 2022, Berlin artists will show seven (new) productions and premieres that take the motto of the series „Unter dem Pflaster“ as the starting point for their multidisciplinary works.

Always begins at 8:30 p.m.
Admission is free for all events.

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Unter dem Pflaster

Eine Veranstaltungsreihe mit (Neu-)Produktionen von Berliner Künstler*innen an sieben Abenden.

Kuratiert von Frauke Havemann und Peter Stamer
zwischen dem 16. Juli und 13. August 2022.

Auch in diesem Sommer laden Frauke Havemann und Peter Stamer Kunstschaffende unterschiedlicher Disziplinen und Generationen ein, um für die besondere Architektur des Pavillon am Milchhof neue künstlerische Arbeiten zu entwickeln. Die Berliner Künstler*innen zeigen vom 16. Juli bis 13. August 2022 sieben (Neu-)Produktionen und Uraufführungen, die das Motto der Reihe “Unter dem Pflaster” als Ausgangspunkt ihrer multidisziplinären Arbeiten nehmen.

Beginn immer: 20.30 Uhr
Der Eintritt ist bei allen Veranstaltungen frei.

Gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

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Samstag, 16. Juli 2022
20.30 Uhr

Du kannst nicht reingucken / Du kannst nicht rausgucken
Eine Mixed-Reality-Installation von doublelucky productions

Du bist zurückgekommen. Alles ist da, direkt vor dir, in diesem Gebäude, aber es entzieht sich. Du trittst einen Schritt zurück, in eine unfertige Landschaft, ein virtuelles Dickicht mannigfaltiger realer und erträumter Objekte, digitaler Bäume, Doppelgänger, Stimmen, über dir Himmel, aber du kannst es nicht erfassen.
„Du kannst nicht reingucken / Du kannst nicht rausgucken“ stellt den Pavillon ins Zentrum einer hybriden Umgebung, die kein Innen und Außen mehr kennt, in der alle Orte und Dinge Geheimnisse tragen.

Von und mit Phillip Hohenwarter, Chris Kondek, Christiane Kühl und Mareike Trillhaas (Musik)

Donnerstag, 21. Juli 2022
20.30 Uhr

Luke und Alina und alle 21 Jahre
(Visionen hinter Glas)
von und mit Florian Brossmann, So Fukushima, Thomas Martius, Petra Steuber

2021 haben wir mit einer großen Geschichte einen Live Act im Kino gemacht und dafür im Pavillon trainiert: „1884 wird ein Wal geboren und der Grundstein gelegt für das Berliner Reichstagsgebäude. Die Welt verändert sich rasant. IT-Nerd Angelica aus den USA und Tierschützer Viktor aus Russland begegnen sich 1988 in der DDR. Immer wieder treffen sie aufeinander, bis hinein in ihre Unterwasserstadt im Jahre 2055. Lebt da der Wal noch?“ Und was bleibt uns 2022 davon übrig, wenn die Schauspieler*innen fehlen und der kalte Krieg wieder heiß geworden ist?

Konzept, Text, Video, Sounds, Performance: Thomas Martius
Text, Performance: Petra Steuber
Musik, Live-Musik: So Fukushima
Technische Leitung, 3D-Modelle: Florian Brossmann
Auf Video und als Stimmen: Tania Feurich, Manuel Sánchez Fraguas, Sascia Haj, Jannika Hinz, René Ritterbusch, Ariane Sept, Morin Smolé

Dauer: max. 90 Minuten

Samstag, 23. Juli 2022
20:30
Soft Stone
Eine choreografische Installation von und mit Julia Keren Turbahn und Simone Gisela Weber

Ursprünglich für die Arbeit Hypothetic Bodies (2021) entwickelt, findet das darin verwendete choreographische und filmische Material im Pavillon des Milchhofs eine neue Form. Soft Stone erforscht Körper, Sound und Materialitäten, die in einem Vakuum zwischen Aktion und Stillstand zusammentreffen. In diesem extremen Zustand entwickeln diese Körper einen eigenen, verzerrten Rhythmus, ein Miteinander und eine Zeitlichkeit, die immer eine Form von Potentialität beinhaltet.

Konzept, Choreographie, Performance, Installation: Julia Keren Turbahn, Simone Gisela Weber
Sound: Nikola Pieper
Live Sound und technische Unterstützung: Ernesto Cárcamo Cavazos
Video Edit, Installation: Simone Gisela Weber
Künstlerische Unterstützung Installation, Raum: Hanna Kritten Tangsoo
Künstlerische Unterstützung Installation, Video: Svenja Simone Schulte

Donnerstag, 28. Juli 2022
20.30 Uhr

Winding from Before Backward Round
Videoinstallation von Frauke Havemann & Eric Schefter / ON AIR

In ihrer Videoinstallation zerlegen Frauke Havemann und Eric Schefter ein unveröffentlichtes Filmprojekt auf die vier Innenwände des Pavillons. Die Arbeit ist durch die Texte der Biologin Catherine Adamidi inspiriert, die auf radikal subjektive Weise den Umgang mit ihrer Krebsdiagnose beschreibt. In der fragmentarischen Aneinanderreihung von medizinischen Fakten und Bruchstücken von Adamidis eigener Geschichte wird das Wissenschaftliche poetisch, und das Persönliche kann über sich selbst hinauswachsen.

Konzept & Regie: Frauke Havemann
Kamera & Schnitt: Eric Schefter
Text: Catherine Adamidi, basierend auf ihrer Geschichte ‚The Waddington Effect‘
Musik: Boris Hauf
Voice-Over: Neal Wach
Mit (im Video): Iris Boss, Jack Rath, Annette Klar, Michael Blau, Martin Lehmann, Edda-Marie Pieper, Aabshaar Wakhloo, Doreen Wellnitz

In englischer Sprache

Samstag, 30. Juli 2022
20.30 Uhr

Gefahr im Anzug
Ein Live-Hörstück von Peter Stamer mit Astrid Endruweit

Text, Regie und Musik: Peter Stamer
Es spielen und sprechen: Astrid Endruweit und Peter Stamer
Dauer: ca. 60 Minuten

Samstag, 6. August 2022
20.30 Uhr

Anatomie IV.
Ein Wasserspiel
von Penelope Wehrli in Zusammenarbeit mit Joa Glasstetter, Lina Gómez, Mariana Romagnani

Von der Fiktion zum tanzenden Körper zum Nebelwesen. Wir hören Geschichten imaginierter Menschenarten, den Homo Sapiens X. Die Tänzerin nimmt deren anatomische Andersart als Feld und sucht mit ihrem Körper nach den Verschiebungen zwischen sich und ihnen. Ihre Bewegungen zeichnen wir mit Sensoren auf und übertragen die Daten auf eine technische Matrix, auf der sie zu tanzenden Wasserwolken werden. Eins setzt sich im Andern fort. Verwandlung in Bewegung. Der Wind spielt mit.

Geschichten, Konzept, Seismo-Spiel: Penelope Wehrli
Choreografie: Lina Gómez, Mariana Romagnani
Tanz: Mariana Romagnani
Stimme: Rickie Edens
Mediensteuerung, Seismo-Korpus: Joa Glasstetter

Recherchen gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

Samstag, 13. August 2022
20.30 Uhr

looming falls eve(s)
Ein Webwerk von Ilya Noé in Zusammenarbeit mit Onome Ekeh und Pamela Slass

On August 13, 2022 it will be 676 days since my mom’s death and 675 that she hasn’t had a funeral. It will also be 30 months to the day since I fell seriously ill and out of sight, the 501 year anniversary of the fall of Tenochtitlán, 530 years 13 days since the deadline set for Jews to leave Castile and Aragon or die, and the day I will make a first go at sharing my hauntings since I broke the promise that I would never, ever build a family tree, take a DNA test or become my mother. An attempt which is slowly taking the form of a ghost(s) story(ing) / a collection of text(ile)s / a bracketed ritual of repair / an act of despair / an atheist prayer / an erratic studio visit / an intro to weaving / the end (or beginning) of a belated shiva / a (fill in the blank)… Definitely not a body of work. More like a hand. Or two.

“…[woolgathering “falls” and “the fallen”,
shuttling a body of sticks and yarn tangles;
is a rise what’ll come down;
a crack at repair?

climbing my tree to get grounded
(re)bodying myself of/with my dead
an oration turned rebozo slash tallit
tugging at the threads of the grain…

a first pass at (re)dressing the wound(ed),
the ravished,
the banished,
the vanished from view,
while (un)tangling the maps and the pathways
of a wandering Amerind slash wondering Jew…]…”

Konzept, Text, Darstellung, Regie: Ilya Noé
Szenografische Mitarbeit und konzeptionelle Begleitung: Pamela Slass
Dramaturgische Mitarbeit: Onome Ekeh

In englischer Sprache

Unter dem Pflaster wird gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

Unter dem Pflaster 2021

Eric Schefter — Fri, 07 Oct 2022 11:28:39 +0000

Unter dem Pflaster! 2021
Eine interdisziplinäre Kunstreihe vom 30. Juli bis 14. August 2021 im Pavillon am Milchhof e.V. Berlin, kuratiert von Frauke Havemann und Peter Stamer

Mit Installationen, Hörspielen, Performances und Konzerten von Penelope Wehrli, Simone Gisela Weber, Peter Stamer, Beide Messies und Thomas Martius & Kollegen.

Frauke Havemann und Peter Stamer luden im Sommer 2021 Künstler*innen unterschiedlicher Disziplinen und Generationen ein, um für die besondere Architektur des Pavillon am Milchhof neue künstlerische Arbeiten zu entwickeln und einzurichten. Zum nun zweiten Mal interpretierten fünf Künstler*innen vom 30.7. bis 14. August 2021 das hintergründige Motto Unter dem Pflaster! und nahmen Figurationen und Fiktionen zum Selbst(-Anderen) als Ausgangspunkt ihrer multidisziplinären Arbeiten.

Mit installativen Arbeiten bestritten am 30. und 31. Juli die Bildende Künstlerin und Regisseurin Penelope Wehrli und die Tänzerin und Choreografin Simone Gisela Weber das Eröffnungswochenende. Den Auftakt am Freitag, dem 30. Juli unternahm Penelope Wehrli mit ihrer kinetischen Installation Anatomie I – Prototypen für die H. Sapiens X. Für das eigens für den Pavillon geschaffene Projekt griff sie auf von ihr geschriebene biologische Fiktionen zurück, die im Kontext eines potenziellen Museums der menschlichen Metamorphosen Überlegungen zu möglichen Homo Sapiens X anstellten.

Installationsansicht Anatomie I – Prototypen für die H. Sapiens X / Photo: Peter Stamer

Am darauffolgenden Samstag, dem 31. Juli setzte sich Simone Gisela Weber in ihrer performativen Videoinstallation Idioglossia wiederum mit der Frage von Identität und Erinnerung auseinander. Während ihre Zwillingsschwester nur in Bild und Ton sichtbar ist, verwickelt sich die Choreografin im Pavillon buchstäblich in einen dreistündigen Schreibakt. Im Spiel mit körperlicher An- und Abwesenheit steht die Frage im Mittelpunkt: Was macht uns zu der Person, die wir sind?

Das zweite Wochenende begann am Freitag, dem 7. August mit der Ursendung des einstündigen Hörstücks 26. April 1986, das Peter Stamer im Rahmen seines transmedialen Erzählprojekts Wunderbar geschrieben und produziert hat. Ursprünglich 2020 als Theaterstück für drei Darsteller*innen geplant, hat der Autor und Regisseur die Geschichte für das Hörstück (in jedem Sinne) neu geschrieben. Sie spielt in einer fiktiven Berliner Bar am 26. April 1986, dem nicht für möglich gehaltenen Tag des Reaktorunfalls in Tschernobyl …

Am Sonntag, dem 8. August hieß es dann auf Beide Messies achtgeben: “Achtung alle Achtung: mit erhöhter Achtsamkeit (7+1) und nach beachtlichen Achtungserfolgen betrachteten Beide Messies an diesem 8.8. ab 8 Uhr 8 abends bis in die Nacht acht Fachbereiche: Vorsicht, Rücksicht, Umsicht, Einsicht, Übersicht, Absicht und Aufsicht. Und nicht zu vergessen: Zuversicht.”

Die Reihe schloss am Samstag, dem 14. August mit Dergestalt drin erfand es Perlmutt! ab, von und mit u.a. Florian Brossmann, Tania Feurich, So Fukushima, Sascia Haj, Jannika Hinz, Thomas Martius, René Ritterbusch und Petra Steuber. 1988 lernen sich Bärenkenner Viktor aus Russland und IT-Nerd Angelica aus den USA im Tierpark in Berlin kennen. Wie sich deren Bekanntschaft entwickelt, erzählten die Darsteller*innen in diesem knapp 45-minütigen Live Act mit Video und Sound, in welchem auch Wale immer mal wieder auftauchten, um Luft zu holen. Virtuelle und erweiterte Realitäten im gläsernen Pavillon!

Unter dem Pflaster! – Eine interdisziplinäre Reihe mit Installationen, Hörspielen, Performances und Konzerten von Beide Messies, Thomas Martius, Peter Stamer, Simone Gisela Weber und Penelope Wehrli // Technik: Frauke Havemann, Alejandro Salas Strus, Eric Schefter, Peter Stamer // Mitwirkende: Florian Brossmann, Eva Brunner, Rickie Edens, Tania Feurich, So Fukushima, Joa Glasstetter, Sascia Haj, Jannika Hinz, Thomas Martius, Andreas Müller, René Ritterbusch, Peter Stamer, Petra Steuber, Lena Weber, Simone Gisela Weber, Penelope Wehrli, Bo Wiget // Konzipiert und kuratiert von Frauke Havemann und Peter Stamer

Vom 30. Juli bis 14. August 2021, jeweils 20 Uhr

Pavillon am Milchhof, Schwedter Strasse 232, 10435 Berlin, Eintritt frei. Eingeschränkte Platzzahl.

Unserer ganz besonderer Dank geht an FLINN WORKS und cultura e.V. für die großartige Überlassung des Kopfhörersystems!

Fonds Darstellende Künste #Takecare unterstützt Anatomie 1 – Prototypen für die H. Sapiens X von Penelope Wehrl

Fonds Darstellende Künste #Takeaction unterstützt das Projekt Luke und Alina und alle 21 Jahre von Thomas Martius, zu welchem Dergestalt drin erfand es Perlmutt! eine Vorarbeit ist

Der Hauptstadtkulturfonds unterstützt im Rahmen des transmedialen Erzählprojekts Wunderbar von Peter Stamer das Hörstück 26. April 1986

Unter dem Pflaster 2020

Eric Schefter — Thu, 06 Oct 2022 12:51:49 +0000

Unter dem Pflaster* 2020
A series of film, installation, music, text, and performance

Curated by Frauke Havemann and Peter Stamer

Saturdays, August 8th, 15th, and 29th, and September 5th, 2020, at 8.30 pm

*A word-play which sadly doesn’t translate into English. “Pflaster” is the German word for ‘pavement’, but also for ‘bandage’.

Under the pavement lies the beach! Many decades ago, this was a battle-cry against those urban philistines who’d seemingly forgotten that true life exists only beneath the surface of our streets, only behind our concrete facades, and certainly only beyond our consumerist existence; an attempt to throw off the dead weight of these constructs which obstruct our view of an horizon full of potential. This is what a dream of those endless shores of our lives supposedly depends upon,

Though the traces we leave behind may only be faint footprints in the soft sand, gently washed away by the tides, promising eternal beginnings, we know, of course, that the tides carry back to us what we allegedly cast away, They reemerge as all that flotsam and jetsam. This series was the first attempt to dredge the sediment, to sift through the residuum, to test it and put it on display. On selected Saturdays from August 8th and September 5th, Havemann, Stamer, and Whelan presented new and recent works at the Pavillon at Milchhof and took a close look at the curiosities of disappearing and surfacing.

In his DIALOGUES on August 8th, Peter Stamer held a fictitious conversation about ominous and incurable wounds which fester beneath our band-aids. On August 15th, Frauke Havemann and Eric Schefter projected their feature film WEATHER HOUSE on the Pavillon’s facade, an apocalyptic chamber play on extreme weather phenomena. While inside the space, on August 29th, A.C. Whelan presented an installation, SUR LA PLAGE, in which – through photography, animation, sculpture and drawing – he explored another sense of a “rapture of the deep”. The series concluded on September 5th with a concert by the performance duo BEIDE MESSIES. Under the title UND ZWAR: OFFENER KÄFIG (In fact: Open Cage), they finally released their long planned, very long prepared, and very very long awaited double album (naturally with lots of cheeky dances, remarks and songs).

17 Letters to Deleuze, a video essay by Peter Stamer screening in the frame of Artspring 2018

Eric Schefter — Tue, 08 May 2018 13:07:23 +0000

Coming up: “17 Letters to Deleuze”, a video essay by Peter Stamer screening on Saturday May 26th, 2018 in the frame of Artspring 2018.
90 min. With English subtitles.
The video will run in a loop from 14:00 to 18:30 in the Aula.

Peter Stamer turns Deleuze’s famous ‘Abécédaire’ into a 90min found-footage video and “writes” 17 letters back to the philosopher, creating a personal portrait of the philosopher, his thinking, and his world-making.

Between 1988 and 1989, philosopher Gilles Deleuze, sitting in his living room, faced questions of a television interview. The principle was as simple, as sophisticated. The topics he was confronted with followed the 26 letters of the alphabet – one letter, one concept, from “A as in Animal”, to “Z as in Zigzag”. To avoid zig-zagging in his discourse, Deleuze received the list of topics beforehand, and although he worked assiduously on the answers, he then improvised during the recordings.

“I would have wished to sit next to him, to smuggle myself into this room, to look over his shoulder, to place myself between Claire Parnet and him, to roam around in Deleuze’s study where they talk and try to take notes or to hum a tune. Maybe the filmic inserts, the discursive captions, the puns I put in between the statements of Deleuze are my way of getting close to him. It is as if I am opening a window to the world, giving way to my point of view on his world, becoming a mute spectator-interviewer who is, however, too late asking questions.”
Peter Stamer